Zasha Colah y Valentina Viviani, Curadoras 13va Bienal de Berlín, María Pichot, y Kekena Corvalán
Zasha Colah y Valentina Viviani. Fotografía de Raisa Galofre
Por María Pichot y Kekena Corvalán
Destacamos la importancia de Bienales sostenidas profesionalmente por mujeres que debaten y cuestionan temas que hacen a nuestras prácticas artísticas, curatoriales y políticas. Con María Pichot compartimos la
experiencia de las artes visuales, viajeras y domésticas, artes vitales. Este encuentro Berlin Biennale tiene el sugestivo lema “Passing the fugitive on”. Zasha ha escrito un texto curatorial poético precioso, que pueden
leer en este apunte de substack Del boxing al foxing, aprendido en la 13 Biennale.
Conversamos relajadamente en el patio del KW Institute for Contemporary Art, en Berlín. De cómo la experiencia de contactar con obras de arte vivas, que evidencian la transmisión de la vida, la idea de solidaridad, ni antropocéntrica ni etnocéntrica, porque no hace falta ser indígena para sentir solidaridad. Hablamos de la evidencia cultural que debe difundirse, o guardarse hasta que sea oportuna su difusión, ser “foxy” pero jamás perderse.
Tenemos un set de preguntas que pivotean alrededor de lo personal y de la bienal en Berlín. La primera, es sobre la cuestión personal que le ha implicado a Zasha esta experiencia, y le preguntamos cómo se siente una
vez inaugurada con la bienal.
Installation view, 13th Berlin Biennale, KW Institute for Contemporary Art, 2025; image: Eberle & Eisfeld. From front to back: Anawana Haloba, Looking for Mukamusaba – An Experimental Opera, 2024/25. © Anawana Haloba; Sammlung Hartwig Art Foundation; Margherita Moscardini, The Stairway, 2025. © Margherita Moscardini; Gian Marco Casini, Livorno; Armin Linke, Negotiation Tables, 2025. © Armin Linke
Zasha Colah: Entusiasmada, disfrutando del tiempo disponible para con las obras de arte y los artistas que todavía andan por acá. A quienes partimos no les decimos “adiós” sino “nos vemos pronto” porque algunos viven muy lejos de acá y nos hemos encontrado con ellos como ahora lo hacemos con Uds. Es un momento importante para compartir este rato juntas y que sea de calidad, conectándonos más allá del artista, con el ser humano.
Kekena Corvalán: ¿Y qué sentís ahora, en el intercambio con la gente?
ZC: Estos últimos días los hemos dedicado a la gente, el arte ya está a la vista, nos vamos conociendo y formamos grupos más pequeños, cuando hay estudiantes tratamos de que se conozcan y así los estudiantes pueden aprender acerca de sus luchas en sus países, de donde vienen, como fueron desarrollando su obra, conformando así una historia oral que en algunos casos hemos conseguido grabar. Es un superávit.
KC: Una vez que la bienal termine, cuales son sus expectativas del período post-curatorial.
Valentina Viviani: Ahora es el momento de disfrutar de la muestra que empieza su vida; la gente llega, nos encontramos. Ver cómo se relaciona el público con las obras. Observamos cómo el trabajo de la curaduría transpira por la muestra. Desde el principio entramos en el proceso sin saber exactamente cuáles serían los resultados. Según las locaciones, según los artistas y las expectativas, estamos muy satisfechas. Ahora, observando las audiencias en la muestra, se nota de parte de los estudiantes gran interés y curiosidad por lo propuesto.
ZC: Estamos en la tarea, trabajando, y también seguimos enseñando a generaciones más jóvenes, y es una tarea en proceso en el tiempo, en el presente descubren temas que surgen y se dan cuenta que los pueden
incluir en las clases.
VV: El catálogo, por ejemplo, lo pensamos como un instrumento para el estudio en clase. Cada locación tiene no sólo sus temáticas, sino también narrativas, textos con cierta complejidad para analizar y aprender. Hay mucho material acerca de esta bienal que creo merece ser re-pensado. Hay especialmente algunas obras de arte que dan para seguir escribiendo en el futuro. Hacer historia por medio de la práctica artística desafía la forma tradicional de aprender. Yo creo que esta bienal puede proveer mucho para hacer en el futuro. Todavía no sabemos cuánto iremos procesando.
Helena Uambembe, How To Make a Mud Cake, 2021/2025, installation view, 13. Berlin Biennale, Former Courthouse, Lehrter Straße, 2025. © Helena Uambembe; image: Raisa Galofre
KC: Zasha, eres de India, ¿cómo sientes la nacionalidad en la tarea curatorial?
ZC: No soy nacionalista, crecí en una india que ha venido cambiando y siento que es más importante que nunca expresar la voz de la India. No creo que India sea para indios solamente ni que sea un gigante económico. Se ha editado un libro “The struggle for the ideal of India” (la lucha por la idea de India) que da cuenta de lo que está pasando actualmente. Hay grupos diferentes con diferentes ideas de lo que esta “geografía” significa.
“Zasha dice que ella viene de Mumbai donde hay mucha gente pobre y enormes rascacielos, pero ella prefiere que sea así, que la gente pobre no esté aislada, que toda realidad coexista. Ella quiere ser partícipe de la lucha por el ideal de la India y la bienal da cuenta de ello”.
KC: ¿Cómo se refleja esta realidad en tu escritura, has publicado libros? Me pregunto si la escritura sirve para la práctica curatorial.
ZC: Sí, tomando extremo cuidado en que esa escritura no suene antigua o solemne sino fresca, tratando de que sea política, pero sin presentar víctimas, sino personas que también tienen su poder, que hacen, gozan y
disfrutan, la cuestión es el tono de la narración.
“Valentina cuenta que Zasha fue profesora de ella en Milán, en el posgrado, y su tutora de Tesis. Zasha agrega que Valentina fue una estudiante brillante y con el tiempo, viviendo ambas en Turín, Valentina colaboró en las cátedras de Zasha y también en trabajos curatoriales conjuntos. Se encontraron muy cómodas en esta relación. Podríamos decir que India y Argentina tienen en común cierta diversidad, las clases sociales pueden coexistir porque la conciencia política avala ese sentimiento. También el hecho de que Valentina se ha formado en la educación pública, de alto nivel como es en Argentina se relaciona con la experiencia de Zasha en India. Poder hablar en la clase con total libertad y más tarde en la vida reconocer que eso no es fácil. Y ese proceso da cuenta de cómo ellas
enseñan horizontalmente con toda la libertad de hablar, tratar temas, etc”.
KC: Acerca del título de la bienal, ¿cómo llega la idea del zorro? ¿De dónde proviene? ¿Qué abarca y de quién es? En qué medida esta idea les pertenece.
ZC: En la ciudad puedes encontrarte con la vida salvaje, con un zorro. Cómo se comportan, son elusivos, hacen trucos, burlan a los humanos. ¿Cómo podemos entender la palabra “foxing”? Como una actitud, que evita cierta fuerza porque tiene otro comportamiento. Quizás en forma transversal. Como que la práctica artística tiene algo de la calidad del zorro. Kekena dice: Foxing not boxing en relación a no ir al choque, sino eludirlo con inteligencia. Zasha toma la frase le parece muy interesante y la escribe para no olvidarla.
El concepto de “foxing” incluye la idea de la astucia contra la no violencia. Boxing es la idea patriarcal, de pelea, de guerra contra la lógica del débil, del refractario. En la conversación relacionamos las obras de Courbet y de Orlan en el sentido de rescate de la idea de “fox” como mujer sexualmente libre lo que nos lleva a la siguiente pregunta.
KC: ¿Y esto cómo se relaciona con el feminismo? ¿Son feministas?
ZC: Si es un proyecto andando más allá de la identificación personal espero que esto se aprecie en nuestra práctica.
VV: Para mí es un espacio en la forma de concebir la bienal y de relacionarnos con los artistas. Cuáles son nuestras energías y cómo las conducimos, qué historias contamos y cómo lo hacemos. Creo que
inevitablemente en el hacer están presentes múltiples formas del feminismo.
ZC: Esto no se programó especialmente, pero hay muchas mujeres artistas. Hemos hablado de la condición de la tierra, en una idea de que no sólo las mujeres podemos ser feministas, también los hombres.
VV: Recuperamos la idea de la mujer protestando por las cuestiones propias de la tierra, como las deforestaciones y prácticas espirituales en relación con el ecosistema, cómo la selva es integral a la supervivencia de ciertas poblaciones y creencias espirituales, cómo las mujeres comprenden esta cuestión y cómo muchas veces son las primeras en encararlas.
ZC: Apegadas a la espiritualidad de una forma integral. Estas prácticas pertenecen a nuestro tiempo, sean en India o en Amazonas o en los Andes. Y son contemporáneas. No es una idealización de la naturaleza, en
tomarla en todas sus formas y sus problemáticas. Buscando reconocer cuando un espacio necesita ser aquietado y cuando necesita ser activado. Responsabilidad. Con la claridad de comprender cuándo y cómo proceder
en cada instancia.
Zasha trae el concepto de “amabilidad” (kindness) según lo ha encontrado en los artistas de la muestra. Especialmente cuando alguna ha reconocido tener mucho enojo. Siempre tratar de transformarlo en amabilidad. Zasha reconoce que ha luchado mucho en la vida oponiéndose, y que le interesa la transformación que eso implica. (Nuevamente foxing not boxing) Curadora y vice reconocen llevarse bien en la tarea.
Installation view, 13th Berlin Biennale, KW Institute for Contemporary Art, 2025; image: Diana Pfammatter, Eike Walkenhorst. From left to right: Panties for Peace, Panties for Peace Emblems, 2010/25; Chaw Ei Thein, from the series Artists’ Street, 2025. © Chaw Ei Thein; Exterra XX – Künstlerinnengruppe Erfurt, Selection of performance objects, ca. 1988–1993. © Exterra XX – Künstlerinnengruppe Erfurt
KC: ¿Cuál es la política del deseo en ambas?
VV: En estos dos últimos años he podido rehabitar el deseo de una manera mucho más profunda, desde lo laboral, lo personal, pero sobre todo en el encuentro con otres. La inspiración que surge de compartir con
los artistas, de dónde vienen, cómo sus obras toman forma, comprendernos. Hay mucho para hacer en el tema mujeres y arte, Alemania tiene una compleja posición política y me ha hecho replantearme cómo posicionarme. Mi política del deseo es vivir la vida con profundidad.
ZC: Mi vida tiene mucho que ver con ser madre y ser hija también. Mi madre está enferma y si bien solía ser “Foxy” ahora no es ni lo uno ni lo otro. Difícil de ver. Mi hija es todavía pequeña, tiene 8 años y se puede
apreciar su progreso, su confianza, la buena relación con otras personas, solía ser muy tímida. Con Valentina, mi hija desarrolló muy buena relación y el descubrimiento de conocer otras personas. Lamento no ver mucho a
mi madre quien vive en Mumbai, pero sabiendo que ella desea que yo haga mi vida sin relegarme a la vida en casa, se enojaría si eso sucediera. Tampoco me desea junto a su cama.
KC: ¿Qué es lo que más disfrutan de su práctica profesional? ¿Recomendarían la curaduría? Zasha no recomienda a su pequeña hija la curaduría, parece que la niña aconseja a su madre el mundo de las plantas y los animales, no obstante, disfruta de el encuentro con un artista, la variedad, la escritura.
VV: lo que más disfruto es el trabajo con los artistas, el proceso, las tantas conversaciones para acceder o entender los mundos desde los que trabajan o nos proponen pararnos. Los fundamentos de la exhibición que
se prepara, la empatía. Sin dudas mi parte favorita son los encuentros impensados (al menos para mí, viniendo del sur sur del mundo), tener la oportunidad, por ejemplo, de conocer y compartir con una poeta quizás
de un país lejano. Siento que el mundo se manifiesta de una manera amplia. Priorizo mucho la conversación.
ZC: Tenía un gran objetivo, que era comprender que pasaba en Alemania. Estaba preocupada por cuidar la cultura, ser respetuosa y acercarme comprendiendo.
