Nekane Aramburu
Daniel Otero Torres, . Hamaca, 2025. Mixed media. 1050 × 785 × 700 cm. Courtesy of the artist.CAPC Musée d’art contemporain de Bordeaux.
Un año más, el CAPC Musée d’art Contemporain de Burdeos, en Francia, se lanza a una muestra arriesgada y fresca que renueva el lánguido panorama de las exposiciones colectivas museísticas y proyecta sobre él un rayo luminoso. Nos encontramos ante una exposición de carácter rizomático que se plantea a partir de la pregunta Comment vivre dans le monde? (¿Cómo vivir en el mundo?), formulada desde el punto de vista de la cotidianidad; es decir, desde las dinámicas políticas y sociales de lo cotidiano real.
En la formulación de la vida urbana para los ciudadanos de un planeta abocado a la globalidad, a la cultura de masas y a patrones preestablecidos cada vez más distópicos, volver a repensar lecturas clásicas aún vigentes se vuelve una necesidad. Como vía de entrada a esta cuestión, se toma la referencia al libro de Michel de Certeau, L’invention du quotidien (1980), fruto a su vez de un estudio previo encargado por el Ministerio de Cultura francés en 19741. Junto a esta referencia fundamental, se señalan también otras fuentes teóricas incluidas en el área de documentación, como Le parti pris des choses de Francis Ponge, Après le soleil de Jonas Eika o La pedagogía de la autonomía de Paulo Freire.
The Practice of Everyday Life. Foto: Arthur Pequin. Cortesía del CAPC Musée d’Art Contemporain de Bordeaux.
La comisaria Sandra Patron, actual directora del CAPC Musée d’art Contemporain, se ha centrado en una selección de artistas que visibilizan exploraciones en torno a tácticas de supervivencia y fórmulas de autonomía desde las prácticas artísticas contemporáneas. Esta invitación a repensar la realidad se inscribe en todo momento en una voluntad esperanzadora y afirmativa, concebida como un antídoto frente al miedo y la ansiedad. En definitiva, la muestra propone una autonomía entendida como resistencia en positivo. Así, la exposición, concebida desde lo local como premisa inicial, la ciudad de Burdeos, se expande desde el adentro hacia el afuera y viceversa, introduciendo miradas caleidoscópicas de artistas internacionales de diversas generaciones que se han implicado en identificar los límites de lo cotidiano.
Gina Folly. Basic Needs, 2025. Imagen cortesía Arthur Pequin
La gran exposición articula la obra de treinta artistas, procedentes de Oriente y Occidente: Wilfrid Almendra, Francis Alÿs, Bibliomania (Alex Balgiu & Olivier Lebrun), Andrea Bowers, Pia Camil, Jennifer Caubet, Ruth Ewan, Cao Fei, Gina Folly, Birke Gorm, Shilpa Gupta, Ane Hjort Guttu & Sveinung Unneland, Oliver Hardt, Adelita Husni-Bey, Judith Kakon, Mierle Laderman Ukeles, Klara Lidén, Maider López, Enzo Mari, Jean-Luc Moulène, Yuko Mohri, Moffat Takadiwa, Daniel Otero Torres, Anri Sala, Marinella Senatore, Ettore Sottsass, Tenant of Culture y Naama Tsabar. Como puede observarse, se integran valores emergentes junto a figuras consagradas como Francis Alÿs y Shilpa Gupta, pasando por Enzo Mari uno de los principales exponentes del diseño italiano del siglo XX, Jean-Luc Moulène a quien el Centre Pompidou dedicó una retrospectiva en 2016/2017, Andrea Bowers reconocida por su activismo social o Mierle Laderman Ukeles, figura clave del feminismo artístico.
Shilpa Gupta. Words Come from Ears. 2018, Motion flapboard 17x96x5 in; 43x244x13 cm, 15min loop. Imagen cortesía Arthur Pequin
Entre las sesenta y cinco obras presentadas en la nave central y en la primera planta del amplio espacio museístico se incluyen, además, cinco nuevas producciones específicas. Entre ellas destaca la propia publicación de la exposición, desarrollada por el dúo Bibliomania, integrado por Alexandre Balgiu (poeta-impresor) y Olivier Lebrun (grafista). Como no podía ser de otro modo, el encargo se basó en premisas de recuperación, colaboración y uso razonado de los recursos disponibles en el contexto local.
Desde mi experiencia y responsabilidad en la función de directora de museos, esta cuestión resulta fundamental a modo de posicionamiento institucional y estratégico, así como para transmitir la necesidad de ser rigurosos y optimizar cualquier inclusión de materiales o acciones basadas en el kilómetro cero y en los llamados “proveedores de proximidad”.
En este sentido, destaco como ejemplo la obra de la artista suiza Judith Kakon, quien en su instalación escultórica Recess and Incline trabajó en colaboración con el servicio de iluminación pública de la ciudad de Burdeos. Habitualmente, su práctica se centra en objetos del entorno cotidiano, vinculados a la sociedad de consumo, el comercio o la globalización, desarrollando piezas a partir de la reutilización de elementos de consumo. Asimismo, su obra cuestiona los trasvases de lo público al espacio protegido de la “caja blanca” expositiva en el ámbito museístico.
Judith Kakon,Recess and Incline, 2025. Imagen cortesía Arthur Pequin
El trabajo de Yuko Mohri, ya destacado como revelación en la última Bienal de Venecia, se caracteriza por un lenguaje fácilmente identificable tanto por sus instalaciones sonoras como por el uso de elementos escultóricos ready-made. Sus obras configuran ecosistemas autónomos con apariencia de esculturas cinéticas, proponiendo nuevas maneras de entender el encuentro entre los objetos y las energías invisibles que atraviesan el mundo real: magnetismo, gravedad, viento o iluminación. La veterana artista Mierle Laderman Ukeles, por su parte, incorpora gestos sencillos como obras de arte. En 1969 escribió el Manifesto for Maintenance Art, un desafío directo a la oposición entre arte y vida, naturaleza y cultura, así como entre las esferas pública y privada. Su interés se extiende asimismo a las reivindicaciones feministas y a la aplicación de buenas prácticas profesionales frente a la precarización del trabajo artístico.
Cabe destacar también las obras de Cao Fei, que exploran las relaciones entre lo real, la utopía colectiva y las aspiraciones de las nuevas generaciones chinas formadas entre el boom económico y la globalización tecnológica; y de Gina Folly, cuya práctica confronta las vidas públicas y privadas de los seres humanos en contextos de manipulación. El colectivo Tenant of Culture analiza los métodos de producción, circulación y distribución de la industria de la moda, poniendo de relieve problemáticas no solo vinculadas a la contaminación, sino también a las relaciones sociales y al consumo desmedido. Sus obras se presentan como símbolos de destrucción y transformación. Klara Lidén incorpora elementos del ámbito urbano sometiéndolos a lo que denomina “deconstrucción”, explorando los límites físicos y psicológicos de los espacios que transitan los cuerpos humanos entre lo público y lo privado. Los neones Words Come from Ears (2018), de Shilpa Gupta, ejemplifican sus instalaciones interactivas y performances, creando entornos que señalan a los poderes fácticos y a las estructuras sociales que generan fronteras psicológicas. Por su parte, Adelita Husni-Bey, cuya práctica se articula en torno a colectividades autogestionadas, desarrolla talleres, publicaciones y emisiones de radio basadas en modelos pedagógicos no competitivos, integrando a militantes, arquitectos, urbanistas, deportistas y agentes educativos como impulsores o receptores, abriendo así nuevas perspectivas.
Left, Klara Lindén. Paralyzed. 2003. Image courtesy by Arthur Pequin Right, Tenant of Culture (Hendrickje Schimmel). Imagen cortesía Arthur Pequin
La muestra abre canales y redes tanto en el fondo como en la forma. Una forma que se adapta a la piel del edificio, integrando diferentes niveles de lectura visual mediante la superposición de capas instalativas que se amplifican a través de la propia arquitectura del CAPC. En este contexto, la intervención Hamaca de Daniel Otero Torres se presenta como una cabaña suspendida a diez metros de altura, que integra tiempos y tradiciones inspiradas en los palafitos sobre el agua en Colombia. Se observa cómo algunas instalaciones de la primera planta dialogan con las de la planta baja, generando un efecto espejo e integrador entre las piezas. Interesado por las imágenes asociadas a las nociones de resistencia y revolución incluidas aquellas vinculadas a manifestaciones, celebraciones o procesos de reconciliación como motores de cambio social, el artista incide también en los efectos nocivos del capitalismo sobre la biodiversidad y sobre pueblos indígenas en situación de riesgo, algo ya señalado en su obra Lluvia, presentada en la exposición An Ocean in Every Drop en el Jameel Arts Centre de Dubái en 2023.
Daniel Otero Torres. Hamaca, 2025. Mixed media. 1050 × 785 × 700 cm. Courtesy of the artist. Imagen cortesía de Arthur Pequin.
Dada la amplitud de la exposición, no puedo dejar de hacer una mención especial a la obra de Wilfrid Almendra, artista de origen portugués afincado en Marsella. En su práctica se entrelazan referencias a la historia del arte y la arquitectura mediante la sublimación de materiales precarios, el tránsito del hierro al acero galvanizado y la incorporación de elementos naturales como plantas, articulando una decodificación compleja basada en formas de economía alternativa. Un ejemplo de ello es su reciente escultura In Between, desde la que propone nuevos modos de producción y nuevas maneras de estar en el mundo contemporáneo.
Wilfrid Almendra. Left. Clandestines, 2025. Vidrio catedral, planta, arbusto de las mariposas, tierra, silicona y aluminio fundido pintado. 810 × 220 × 323 cm. Cortesía del artista y Ceysson & Bénétière. Right. In Between. 2025. Imagen cortesía de Arthur Pequin.
En conjunto, y más allá de estas múltiples conexiones creativas en red, el centro se convierte en lo que se ha denominado una ZAD (Zone d’aménagement différé), entendida como espacio vivo a defender, al tiempo que desde el exterior se exploran formas de urbanismo táctico. Se introducen también conceptos como el de Brave Space, que podría traducirse como “espacio de empoderamiento”, una noción alternativa tanto a los espacios públicos dominantes como a los safe spaces2. Esta idea de red, de gestos de militancia coordinada que atraviesan la exposición, se extiende asimismo a la metodología de mediación y colaboración con distintas entidades de Burdeos, como la Escuela de Bellas Artes o la Opéra Nacional. Con esta última, por ejemplo, se ha programado una performance de clausura como eco de las obras en exposición durante el mes de enero.
Maider López. Moving Forest. 2025. Acción participativa / performance en el espacio público. 2025. Cortesía de la artista. CAPC Musée d’art contemporain de Bordeaux. Foto: Pierre Planchenault
Finalmente, resulta especialmente destacable la acción Moving Forest de Maider López, artista vasca con una amplia trayectoria internacional. La acción, coherente con su línea de trabajo en torno a la activación de agrupaciones humanas en distintos contextos, tuvo lugar el 5 de octubre. En ella, doscientas cincuenta personas caminaron de forma coordinada, cada una portando una de las nueve especies de árboles autóctonos seleccionados: abedules, abetos, alcornoques, liquidámbares, madroños, manzanos, perales, pinos y robles, conformando a su paso por la ciudad un bosque participativo en movimiento. Se trata de un proyecto que perdura más allá del día de la acción, ya que los árboles continuarán creciendo en los jardines y hogares de los participantes-portadores.
- En este marco analítico, la noción de vida cotidiana se entiende a partir de la definición propuesta por Michel de Certeau, quien la describe como aquello que se nos da y compartimos cada día, lo que nos apremia e incluso nos oprime bajo la “tiranía del presente”, constituyendo una historia íntima, parcialmente velada, situada a medio camino entre la experiencia individual y lo colectivo. — Michel de Certeau, La invención de lo cotidiano, 1980. ↩︎
- Véase la conferencia de Adrienne Maree Brown, en la que la autora señala la dificultad —cuando no la imposibilidad de que un espacio sea absolutamente safe, subrayando en su lugar la importancia de la vulnerabilidad, el juego y la honestidad como condiciones para la construcción de espacios colectivos críticos. Adrienne Maree Brown, On Vulnerability, Playfulness and Keeping Yourself Honest, conferencia, Vimeo, 2020. https://vimeo.com/474744892 ↩︎
